苏东坡在《文与可画墨竹屏风赞》中说：“与可之文，其德之糟粕。与可之诗，其文之毫末。诗不能尽，溢而为书，变而为画……”我认可这种观点。艺术，一定是文化的凝结，是内在的自然体现，所以，修为既是艺术的基础，也是修为的途径之一。艺术家可以通过艺术笔墨来体验和修为，并以更高的修为融入艺术的意境。
著名艺术理论家叶子曾经说过，画山水画的人，多数非常磨难，并以黄宾虹为例做了说明。说黄老历经世事后，诸事不成，于是将心理苦闷发泄到宣纸上，在自己创造的心灵世界里得到释放，以此获得人格心理上的一种平衡，大获成功。我认为，一个人专注做一件事情的时候，其他事情，都是身外之物，人只有做自己喜欢的事，才能更长远，才可能做到卓越，优秀。比如黄宾虹也是。他参与论政也好，各种救亡运动也罢，它是一种救国情怀，一种大爱。俗话说，乱世黄金，盛世字画。如果画画在和平年代算是愉悦身心的活动，能够动人心弦。那么在动乱年代，画画根本谈不上是事业。黄宾虹生而书生，学而有成，书生论政，指点江山等行为，也基本是在文人层面。在这种意义上说，黄宾虹的画笔与鲁迅先生的钢笔，在同年代，应该是异曲同工之妙。黄老曾经大肆宣讲艺术的养生之道，他本人高寿，可见受益。艺术创作时需要非常专注，心境与笔墨合一，随心所欲，得心应手。随心所欲，所欲者何？下笔乃是修养学识，乃是一种情怀。学识修养，报国情怀正是黄宾虹作品内秀的原因。这种情怀有多么深沉，他的作品就有多么的浑厚华滋。各个时代都有不同的历史使命，艺术家也一样。当今社会，可能没有什么磨难，但艺术还是要发展要传承和推进。
修为和历练有命运的必然，比如八大山人的命运转变，这种经历可遇不可求。也有主观的心里纠结，比如梵·高的生命体验。每个人的三观都不同，所以每位艺术家的作品风格都可以不同，如果足够熟练运用笔墨语言来表达的话。
生在七十年代我自认为是比较幸运的。如火如荼的运动已到下半场，精神迷茫疯狂即将结束，但因为缺衣少食，生活还是会稍稍有点苦。这个年代的人大多都有吃玉米面的经历，也摸过粮票布票什么的，虽然概念不是很强。而经济紧接着就迅速大发展，目标是实现现代化，赶英超美，生活不久就越来越甜蜜。站在二十一世纪的今天回想过去，七十年代的人也会跟晚辈说起当年的贫困还有物价，偶尔也会鼻子有点酸酸的。再看看这几年奋斗的成绩，说起这些年的变化，也会觉得努力得很有劲很过瘾，够强够泼辣。能经历这些酸甜苦辣，是一种幸运。识得人间况味。
七十年代的孩子们是在露天地长大的，老大一般都要看顾弟弟妹妹，再大一点就要分担家务。满山跑着打草喂牛喂猪，顺便采集野果子，抓鸟抓知了，一边爬山一边做着大人吩咐的事，算是最能消磨时间也最有乐趣最有收获的游戏。爬山，能满足孩子所有的好奇心，吃的玩的看的，辨识不一样的树，不同颜色的虫子，听不一样的鸟叫声。好像就这样在山里吹着风，就长大了。最重要的，在小小年纪，能有那么大的空间存放我们的迷茫，有那么大的空间容我们去游荡，让我们发呆，寂寞的时候做好多无用的事情，可劲折腾，也是很可贵的经历。从小我就知道，没有什么比山的存在更能让一个人明白自己的渺小。同时，也曾经与牧归的老牛一起，雄赳赳气昂昂地，体会那种山高人为峰的气概。
小时候只知道山里装着很多的村子，好多人，山那边的山里还有好多。长大后才知道，其实从那时候开始，大山就这样不知不觉间被装在了孩子的心里。
上学以后，就一定要收心，以文化学习为主。大概就是这个时间，我开始第一次接触到了毛笔。刚上小学的时候，我经常跟邻村的表弟一起玩，偶尔看到表大爷做完农活之后，用毛笔写写画画，很是好奇，就跟着学。那时候满村上千人，也没有几个能拿得起毛笔的。虽然不懂，但是看到过高年级学生写大字，对文房四宝稍微有点概念，觉得拿毛笔画画这个动作很高大上。我们一帮孩子都跟着玩，一开始没有毛笔，就用铅笔在作业本上画。他不用的时候，我们就偷偷把玩一下毛笔。我涂鸦了几幅，表叔忙着夸好，说还挺有模样，周围的人也都跟着夸奖。这么一夸不得了，小学五年的时间，课间饭后，闲余时间，我好像都用来画画了。涂鸦的题材多极了，蚂蚱知了各种虫子，麻雀喜鹊各种鸟，能想到的都画了一遍。天赋如此可能。期间，表叔还像模像样的来检查过我的绘画日记，现在想想，长辈们真是用心良苦！
鲁迅先生说的，世上本来没有路，走着走着就变成一条路了。当时只当是玩，只是玩得开心，谁知道到现在居然就成了一个职业。
画山水是美院学习之后的事情。我的导师张道兴先生对我有很大的影响。从人格修炼，到理论再到着手用笔，包括书法练习的重要性等等，一一重新树立观念。书法现在写的也不是很好，但是重要性是明白的。最重要的是人格修养的引导。学为人师，行为世范，老师的影响就像一盏灯，随时给予方向。这些年，陆续接触了多位导师，各有收获。给我最大收获的还有吴悦石老师。
庄子说，“技近乎道”，形而上者谓之道，形而下者谓之技。所有的技，钻研到最高境界，都会上升至道的境界。庖丁解牛得道于牛，伯乐识马得道于马，数学家陈景润先生通过研究，发现了数学之美，之圆融。山水画的道体现在哪里？纵观分析古代山水大家的作品及其画论，可以发现，道在丘壑之间，道在字里行间。其实无论哪个领域，道之深层体现，在于人心，在于修为。要有情怀，要有气势，要有包容，要平和放下。“天地有大美而不言”，孟子认为：“浩然正气塞于天地之间”，天地之间自有宏大能量，人生天地之间，人的精神气质和思维，与自然的美感有同构性，相通性。
对山水画的理解，有两个渠道，一曰临摹，一曰写生。不临摹不足以承接传统，不写生不能够突破传统。
山水画自魏晋南北朝开始出现发展，至隋唐展子虔初具模样，后期名家辈出，到现在为止，从笔墨技术层面来说，已经体系完善，理论丰富。对古代经典的膜拜与复制性临摹，都有益于体会古人情怀，并丰富笔墨表现手法。
另一个重要的学习手段，就是不断写生。石涛说，“搜尽奇峰打草稿”，谓之奇，实是不同特征，每个地貌的岩石结构，蕴藏着丰富内涵，不同具象。体会真实的山水，提升感性认识。画山水首先需要有一种家国情怀。其实无论是在临摹古山水的时候，还是面对大好河山的时候，尤其走过很多地方，游历了更多大好河山如黄山泰山华山，更有青藏高原的空灵，新疆境内的大沙漠等等之后，每每创作，都会很有激情。想起张明敏唱的经典名曲，《我的中国心》，开首那句“河山只在我梦萦”，真是历历在目的感觉。作为年轻人，很有指点江山的豪迈，和对祖国母亲的崇拜和热爱。
天地默然存在，不言不语。需要写生时仔细观察，宏观处营造大气势，细微处求真求实。每个人看到的美都是不一样的。细腻者看到细节，豪迈者注意到雄伟，秀气文人提炼到内敛灵俊，多情者体会到更多浪漫。微观是事物的质感，是一幅画里用笔的情趣美感，或是一篇文章的用词，宏观是远观的气势，是气韵生动通达，是鲜明坚定的立意。一篇好文字，既要立意鲜明正大，也要用词恳切。
自然也需要取舍安排之后进入创作才能更美，这在摄影艺术中体会更多。弱水三千，我只取一瓢饮，取舍之术就是提炼心境的过程。多次写生之后，为了构图或穿插，在一定范围内腾挪借景，来表现自我心中的感性。每个地域的特点特色都不同，在写生过程中，会生发探索出不同的皴法来表现。各个时代的创新，都是努力观察表现大自然的产物。
读万卷书有助于理解千山万水，走遍千山万水也有助于将山水凝结成心中的万千丘壑。互动提升的过程，就是艺术之路不断成熟的过程。
山水画可繁可简。能繁能简，是艺术家表达能力的体现。繁能包容万象，简能一针见血，直抒胸臆。白居易的诗词很接地气，老少咸宜，通俗易懂，同时又雅致清爽。如果国画简到极致，专业的藏家能看到笔墨精道，意境深幽，书画爱好者也能喜欢色调组合，并且能看得懂题材，觉得有趣。我认为在如今这个时代，这是当代艺术创作要达到的一个要求。
《山乡喜事》是14年创作的一幅获奖作品，尺幅比较大信息量比较多。这是最传统的纪实性创作。冬天写生的时候，突然有一队锣鼓敲敲打打过来，在白色雪景衬托下，红红绿绿非常好看非常热闹。当时我心里就很振奋，很有冲动。秋收冬藏，冬天办喜事是农家的传统。农活都结束了，家资殷实，轻轻松松迎亲办喜事就是喜上添喜了。而且草色灰黄树叶掉光了，人们穿上五颜六色新衣服欢聚一堂，吃得热热乎乎，锣鼓敲起来，乐器吹打起来，热热闹闹，心情真是很美。这幅作品整体打底是安静的灰色，包括人物服装也做了浅色处理，天人合一的画面感就出来了。构图上，上面的山坡处理呈上坡趋势，符合大众大多从左向右看的习惯，上升的感觉有积极意义。山路的处理也做了曲径通幽的安排，人群方向的尽头，几棵树颜色稍微加重，给了眼睛一个目标方向感，同时也为画面左右的平衡做了点缀。山坡的右上和人群移动的左上形成了构图上一个大的开合，同时也将整个画面分成远中近三部分。远近的蒿草干皴湿染，浑然一片，雪景中依然能想象到往日的生机。白色的雪，随地形而自然成块，处理这些块的方向、大小、形状等，需要仔细安排，近处的墨色加重将雪块衬托得更白更鲜明，层次更加分明。远处山坡上的树影影绰绰，大小林立，各种穿插，如果没有人物，这是一幅完美静谧是山乡景色，也是我喜欢的。加入人物点题，天人合一。也好。这基本上就是这幅作品创作的思路。
除了大山大水的创作，我的山水，始终在努力营造一种纯净的感受。《米芾拜石》也是我非常喜欢的一幅作品，这个题材大多人都知道，米芾本身是大书法家，他的爱石痴迷石头行为，也是爱艺术的一个极端表象，石头比较抽象，形至意到就可以了。人物寥寥几笔，颜色轻柔，对比石头的浓厚，拜石的痴心诚意就凸显出来了。这应该是心理学范畴的理解。最得意是神来一棵树枝，沟通了石头与人物之间的空白，像是一个纽带，拉近了人与石头的感性交流。激情之下，有些作品可能没有理性，笔墨潦草，但是非常感人，就像感动自己的那股激情。
很多人在鼓吹放弃传统的笔墨审美，认为当代水墨有构成有造型要颜色就够了。我觉得这是退而求其次的事情。古代人生下来就用毛笔。现在的人别说用毛笔了，上学的孩子钢笔字都写不好。都在玩手机了。都在建立自媒体，记日记都不用了。书法与绘画的功能分离，让大部分艺术家偏离了笔墨审美的情趣。但是笔墨审美一定是国画审美的一部分，缺少了之后，就像大米饭中夹杂着沙子，看似不错，琢磨一下实在牙碜。
色调与构成的形式我做了一些尝试。画集《心像重彩》中收录了不少。其中有一幅《风吹归心》，是阶段性比较成熟的一幅作品。整体的灰蓝色调，非常淡，淡所以安静。黄色的屋顶和橙色的窗户透出暖暖的世间情，远山水墨淋漓，墨块的处理留下笔的痕迹，暗合自然走势，近水使用了西方构成主义的几何色块，还有风格派的拼凑，色调的融合成为创作最关注的点，意向空间里，一棵树直立在画面正中重心处，稍微积墨累积出浓淡疏密，生机勃勃。既有笔墨，又有西方元素，但依然是中国画。这样的作品比较符合当代人的审美，唯美，祥和，静谧。画面空灵，看起来轻松愉快，没有套路，没有礼教。更多作品使用纯色，尤其是藤黄色的使用，很干净很鲜艳，但是稳重。
现代的中国画的发展，与整体文化结构的变化有关，与经济发展主体导向有关。理论上，当代作品一方面接受了一部分古代的笔墨趣味性，另一方面却遗失了以老庄为代表的古文化的高雅博大精深，西方而来的构成、嘻哈和未成熟的部分抽象元素等，可以拿来可以借鉴。但绝对不能成为主流。
当代艺术如今可谓是百花齐放，百家争鸣，古法的画论已经没有办法以统一的标准来衡量作品的好坏，这是很可怕的。这种方向现在有点来势汹汹。但是对于现代书画的评价标准，比如说对笔墨的要求，比如对气韵生动的推崇，正如谢赫六法中所说的标准，基本还是普遍适用的，这就成为使传统延伸到现代的纽带。同时，金砖会议的召开，也许是一个契机，越来越自信的国民，包括艺术家，对国家民族文化的认识，将重新梳理调整，更是一次内心深处扬眉吐气的回归。
还有一个现象是，如今很多种画法都有自己独特的标准和理论支持，长此下去，艺术将不成其为艺术，不成为普适性的审美关注点，如此极端发展的话，艺术将逐渐淡出人们的视野。就像西方的艺术一样，被不断的边缘化。还好目前我们的传统水墨还是占据着主流位置。
现在是一个读图时代，甚至下一步可能是一个小视频时代，大部头的书籍尤其是古代严肃的文言文的可读性一再下降，这似乎是全世界都面临的问题。年轻人的拼写能力一再下降，那么作为文化精品旗帜的艺术品，如果能以更轻松愉快的语言，和谐明快的色块表达内心的感受，并使得受众能够接收到同样的信息，无疑是一个有意义的尝试。当然，笔墨审美一定是很重要的审美的一部分。
庞大完善的古代山水画理论严重地制约了现当代山水画的突破创新，卢禹舜、宋雨桂等做了大胆的尝试，但是更多的流于形式，后来突破自己也很难，于是复制重复现象严重。作为当代艺术家，创作出符合当代人审美的作品是责无旁贷的历史使命。现在的人们生活都很好了，谈不上什么磨难。但是追求更好更特别更新，追求更有品质的精神境界，也可以是一个目标。仁者爱山，智者好水。山水画中自有很多哲学关系，可以修养身心。文人画注重文化底蕴，人格精神。鲁迅先生当年弃医从文，以笔作枪，和平年代，我们以艺术作先导，也期望能开辟一片澄宁。
每次铺开一张纸，我都会很激动，一团激情涌动在心里，像演员马上要上台演出一样。同时心里升腾起一种气势，似乎如临大敌，要准备打一场大仗。狭路相逢，凝思对策，战略战术，胸有成竹之后，运气于胸，然后，有步骤有侧重的，时而疾风骤雨，时如徐缓有度，直至一气呵成，完美收官。一笔不能多，一笔不能少，实在于不断操练。先以淡墨留下大概丘壑的轮廓，或以碳棒勾勒大形，确定主宾君臣关系，由淡到浓一遍遍积墨，大体成型后，再进行细节收拾。最后染色后放置，等待激情过后，进一步审视后完稿。
总之，山水画之创作，取乎其上，在于精神。形而上谓之道。打好这样的心里基础，加之笔墨熟练，作画时似乎无需技巧，自能无心合道。至纯至真至美。
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